我不太喜欢《圆明园》这部被称为“纪录片”的电影，因为它从头到尾也不是什么纪录片，只是一部剧情加动画片。
我自己作的节目都比这部电影要“纪录片”得多，我也找过很多圆明园的资料，那里的信息量也比这部电影大得多。
这部电影的优点在于“三维重现”，视觉上让大家爽一爽。但它真的不算什么纪录片。
我当然知道纪录片这个类型有很多种外延。但我总坚持地认为，纪录片最大的价值，不在于艺术价值和意识形态，它首先只在于“纪录生活”，“纪录一段时空”，然后才是其它。这是摄影机独一无二的特性，与生俱来的特性。纪录电影的价值确立，也正是在它的特性上。
你纪录一个人在拉屎，这就是事实。他的的确确在某天的某一时刻在这里拉屎。你改朝换代你翻天覆地你重新做人，你都改变不了这一纪录下来的时空。它独一无二，它真实存在，它永远留存。没有其它的艺术形态做得到这一点，这是就是电影的最大优势。
然后才是艺术手段、创作目的，才有纪录片的“真实”之争。你的确可以通过不同的镜头组合、画外音、搬演等手段来歪曲事实，打击报复，甚至达到颠倒黑白的目的，让观众得出他不是在拉屎而是在吃屎的结论。
但这个镜头无疑是纪录片的基础。没有这个基础，你玩多少花活，我也感受不到纪录片的美来。
当然，动画片也可以挺美的，但那是另一种美。

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老道的新片《另一半》11月角逐东京FilMex电影节，这是他的发祥地，冲啊。
这海报未经允许贴出来，没事吧？
《鸭子》在美国也要发行DVD了，希望在国内尽快能看到。
《另一半》俺就先睹为快乐。感觉老道在导演和编剧上更圆熟，手法更合理更内敛，视野也扩大了。不过，片子好像也更“闷”了些。
要搞艺术嘛，有时候闷总是难免的。
不细谈了，先跟老道交流过再说，这个用Premiere搞定一切的家伙，能让很多电影青年跃跃欲试吧。


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今天真是让人难忘啊。
我第一次，在电影院里，完整地看了一部杜琪峰的作品，原版原汁原味没有剪刀手。
这完全归功于素有“碟青也有活雷锋”之称的HOWIE同学。
这部电影，就是《放逐》——有些同学请把嘴边的口水抵擦干净，注意影响。
这一次“地下”放映，说起来很幸运，但实际上俺也挺惨，早知道会在电影院里看到原版，谁TMD还傻到看国语阉割DVD呢？唉，人生就像抛硬币……

具体看这部影片有多爽，就不细说了。
如果影片的感染力是9，而我已经看过了一两遍，这个感染力会下降1.5；但今天是在电影院里看，所以感染力又加回了1.5。因此今天看完的感觉和刚看完碟的心情是相近的。
相当激动。在结尾差点把俺眼泪都看下来。
大银幕与DVD相比，《放逐》变得没有那么风格化，也许是因为小屏幕更容易从整体上发现导演的手法。坐在电影院里，就更多投入到场景环境中和人物情绪里。也是另一种爽感。
其实这版胶片的色彩还原，感觉还不如DVD生动和准确，但那音响的震撼就大大加强了。而且画面暗部细节很好，看到了很多碟片里没有的信息。虽然圣诞树枪战还是看不太清楚。
这部电影的视听节奏控制，当真是第一流的。叹为观止，周围的杜粉好像不多，所以散场后全场只听得到我一个人在卖力的鼓掌。
十一月到了，又到了去电影院的季节了。下一部准备和小桐去看光头仔。

下面是港片与国语版DVD的不同：
1.画面基本相同。中间剪了一个几秒的陈雅伦露点镜头，还有一个比较血肉的疗伤镜头.我看的这个版本连黑社会手势都有，真是足本啊。
2.结尾部分剪了大概十秒钟，分别是快照的特写和快闪照片加兄弟们笑的画外音，最后一镜是兄弟们年轻合照。这一部分被国语版的贴片字幕强奸，真是吃饱了撑的。
3.修改最大的是国语版配音，篡改了粤语对白的意思，大概改了十几句左右，大多数是那两个无做为的警官的对话，基本上都改成了“逮捕坏人，恶人自首”等主旋律内容。真是吃得太饱了。还有把兄弟间打闹的一些黄色笑话给改成了白色笑话。



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一个片子受不受欢迎，从它被恶搞的情况也能看出。

杜琪峰的《黑社会》，是近一年常被恶搞的片子。比如最近有部难看到吐血的《卧虎》，还有一部不算难看也不算好看的《大丈夫２》，都要恶搞一下《黑社会》。

从他们恶搞的片段，也基本可以看出《黑社会》的经典段落在哪里。如山顶滚木箱等等，其中一个就是“叔父喝茶选举”，那个场景也是俺最喜欢的一个段落之一。大胆的窗外光线处理，让整个屋黑里巴叽的，真实得很，整个美术感觉又老破又怀旧、却也有着那么一点旧社会的权威感。合理的摄影机位和剪辑，让这个小选举显得粗糙而有趣。当然，要展现这一空间的质感，最好的办法除了渲染，还有对比。

于是有老音乐的插入，过渡到与大D和阿乐二人不同时空，所处不同环境的对比，把选举的二人与选举过程同时呈现，让各人的不同状态直接现身说法，这种处理绝对有种深藏不露的气度。

杜琪峰在这部电影里的表现出那种草根的生活式的黑社会气质，与他其它影片都很不相同。造成这种感觉的原因，一方面是前期拍摄更注重生活质感，在光线在人物表演在场景构置的时候，尽量往现实上靠——虽然在很多室内的场景和夜景仍不免有表现主义式的光线，可这一点“夸张”可以用另一种手段来弥补，这就是剪辑。

本片的剪辑与杜琪峰近些年的大多数作品都不一样。谭家明的剪辑，镜头数更多，信息量更大。对同一件事，以往老杜的办法可能是一个镜头推上去或摇开去，十秒钟。而谭家明的办法是三个镜头，每个四秒钟，换不同的景别与运动机位，这就把整个节奏拉动起来。这种办法是根据动作、人物关系为依托，每场的剪辑强度是围绕着关键的信息有目的展开。什么时候是特写，什么时候是全景，都有讲头。而且这种剪法，更符合普通生活的节奏，它会比造型优美的镜头显得更自然，更生活化。

应该说，这是一种更照顾观众欣赏的习惯，达到的目的是：你不太能感觉到镜头本身的存在，你看到的更多是人物看到的是动作听到的是对白，然后在你脑里串起了这个故事。但你不会有太多精力照顾到镜头的拍摄和剪辑本身的精巧。就是说，与《放逐》《PTU》这类片子截然不同，在《放》与《P》里，如果你不欣赏那些拍摄精美的镜头本身，那影片的魅力最少损失一半。但在《黑社会》里，导演的目的是让你集中于叙事，所以它的剪辑采取了这种模式，这也是近年来杜琪峰电影里显得最不露骨的一次电影语言——哪怕很多场景郑兆强企图跳出来证明这是构图是个性的代言人，但谭家明的剪刀很快就会落下去，把观众急速拉回来。

《黑社会》还有个经典场景，就是最后渔塘砸大石。开始看的时候会觉得很残忍，砸的时间真TMD长。但看过后想一想，我觉得这几乎是最“主旋律”的一个结尾，它明白无误的传达出“黑社会是恶魔”这一信息，纠正了绝大多数黑社会电影把黑帮分子搞得优美、迷人，总带着不少英雄气息的习惯。这部电影以残忍至极的结尾，让年青人们在考虑加入黑社会的时候，会心头一凉：他妈的，会不会有一天我也被玩一把胸口碎大石？

多么有教育意义的一部电影啊。


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今天看了看《杀人回忆》的导评，没什么有价值的东西，一帮人在瞎侃。
不过这部电影，我觉得是目前为止最好看的韩片之一。
别看这个剧本写得相当牛，但老实说，很难拍出来那种要死不活阴阴沉沉的黑色幽默感。这是一个相当难拍的本子，一不留神就容易变成装模做样，要不就是平平淡淡俗套丛生。
导演是在处理这个本子的时候，相当的成熟。也许没有什么特别精彩的镜头，但你找不出任何一个不好的、多余的镜头，所有的部分都丝丝入扣，让这个故事的力度慢慢渗透。
比如最后一个镜头，是给我印象最深的韩片镜头之一。朴探员在看着你的眼睛。这个镜头本身其实并没有多大意思，可放在这部电影的最后，再接合着这个人物的特点和剧情，就有了一种说不清楚的力度。
老奉比他的处女作要成熟一大截。很难想像在《绑架门口狗》和《杀人回忆》之间这几年发生了什么事，让Y居然学会了不玩弄技巧，采取锋芒不露地表达尖刻。这个变化很难得，在别的导演身上也许需要十年二十年。
当然，一群好演员的帮忙也很重要。对于这一这么戏剧性的题材，演员的作用就显得非常关键了。
摄影很有特色，运用了胶片技术，把整体的饱和度全部降低了。营造出了一个略显惨白、凄美的八十年代。《老男孩》的摄影就有一部分是学习本片的效果。
说起来，本片的各个制作环节都很成熟。我觉得韩片最让人佩服的不是拍出标准大片《太极旗飘荡》，也不是个人天才式的《老男孩》，而是这部实实在在的《杀人回忆》，像是一个国家的中产阶级的作用一样。
不过，我总会不厚道地有一点点怀疑，《杀人回忆》会不会已经是导演的最高峰？《怪物》虽然韩国最卖座，虽然还是苦瓜脸主演，但那种让人背脊梁微微发冷的影像空间，肯定不会在《怪物》里出现了。


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《放逐》有了枪声。
这句话的意思，不是指《放逐》里放了很多枪，虽然Y号称放了18000颗子弹，不过那些声音加起来都没这个夸张。
枪声，也就是枪版的声音。也就是盗版商们极其敬业地录下自己的咳嗽吐痰声的同时也录录电影院现场的声音。
这种枪声的重点在于，内地的我们终于可以听到粤语版《放逐》大致上是个什么玩意了，当然，前提是配合着被阉割过一头一尾的内地版画面。
虽然阉割版画面加上枪版的现场声，常常让观影的同志们会感觉有吃屎拉饭的嫌疑。可老人家有句话不能不听：管它好版枪版，说粤语的就是牛版。
再说了，我们完全可以在没有对白的时候，调回听国语版，享受原汁原味的声音，然后在人物准备开口要张嘴没张嘴的那一刹那，立马换回枪版声道。
你说了，看一个片用得着这么费劲嘛，这不脑袋进水了不是？
我脑袋进了不少水，我承认。三个月时间等港版，实在是长了点。

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这几天都比较累，忙着剪婚礼后期，这活儿比想像中难。不过什么活儿想做好了都不简单。也拍了这些年的纪录，一点点知道了自己的不足，以后真正儿八经地拍个纪录片，经验应该会好得多了。
可是，现在谁还有心境花个一两年的去跟个纪录片呢。
就算我想跟，人家也不肯啊。就算人家肯，我也未心想跟呢——有钱么？
就我这觉悟，还是拍点省时的剧情得了。
没时间看碟，却有时间去碟店，一眼就看到了一张俺寻觅很久的碟——《天国之门》。
靠，这部电影在影史上可大大有名。有名并不是因为它拍得多牛逼，而是因为它活生生拖垮了一家大电影公司，卓别灵格里菲斯等大牛在地下哭泣啊。
奶奶的，居然比《猎鹿人》还长，光208分钟的长度就会让老板吐血。而一个牛逼导演，也就这样消失了。
我们的大片拍得这么水，居然还没拖垮任何公司，真是不公平啊。嘿嘿。


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又看了遍《枪火》，虽然比不上杀手这种铁FAN看的次数多，但也不少了。
主要原因是没法反复看《放逐》，毕竟是国语诱奸版，俺还得等到原版再仔细爽过。虽然不忍看，但又实在很想看，所以只好找出前传《枪火》来过过瘾，准备接下来再把黑社会系列搞一遍。
这一次看《枪火》，是准备找茬的，我就不信它没缺点。
虽然这个过程很辛苦——因为这片确实拍得很吸引，一不留神就就忘记了找茬这个艰巨的任务，但总归是被我找到了。
这个茬，就是摄影，主要是打光这个层面。
这片的摄影当然不算差，只是相对老杜子近年的作品而言，还不够那么特别、顶好。
主要是重点不突出，一些场景的光太平、太亮，一个场景如果每个角落都亮堂堂的缺乏层次，一个不符合生活经验，二来也是缺乏凝具力，视觉上容易失去重点。这种分散注意力的结果是会潜移默化地影响到观众的。
所以说，为什么《枪火》值得反复看，而且每次看都有新意，是因为你看第一遍的时候，的确会错过很多值得看的细节，而摄影的不完美也正容易让这些细节从你眼皮底下溜走。
色彩的掌控也偏乱，基本突出不了人物主体。给人物的面光和补光没什么层次，蓝光黄光这么一混合——有时候显得没多少美感，很像以前那些制作不考究的港片。当然，《枪火》的拍摄工作日只有19天，场景却不少，这对一个摄影师来说是比较困难的，所以在细节上有毛病也在情理之中。
《枪火》的摄影当然优点也有很多，但我更喜欢郑兆强在近几部老杜电影里的表现，对光的掌控更加成熟，每场景的布光用灯量在减少，但重点却更突出，视觉效果更特别。
《枪火》这种电影，虽然拍得急切，但却属于佳句偶得，有点妙手天成的意思，这种东西是求不来的，王家卫的《重庆森林》也有这种感觉。这些电影，虽然在细节上难免会出些小纰露，但其优点却是大大地盖过了不足。
《放逐》虽然好，但与枪火比，确是少了几分混然天成的气息。


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又一部可以看看的港片。亲切自然型的。
给我的感觉，是《神经侠侣》式的，虽然后半部分俗了点，但前面挺好玩的，尤其是头几分钟。
结尾还利落。整部片看下来一点都不累，也不用为编导瞎操心，不容易。
一看编剧，果然有阮世生。这就说明一点，你必须要看粤语版。这片如果是国语版，那还能有意思嘛。
陈果、许鞍华、陈嘉上、赵良骏……嘿鄙，这可能是香港导演出场最多的电影之一了吧。

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没有哪个成熟导演，是不重复自己的风格的。
甚至说，大师之所以成为大师，一部分原因正是因为他的重复，在重复中你才能不断深入。十个大师最少有八个如此。
小津安二郎是一个典型的例子。其实哪怕库布里克，也是个典型的例子，他拍的电影类型千变万化，但他的核心基本没有改变，其实就算是电影语言，每部片都有很类似的地方。只不过每次说的东西不同而已。
现在我又要说回来了——又是《放逐》。
杜琪峰这一次显然也是在重复，但并不是止步不前，我感觉是有进步的。具体的说法俺贴在moviegoer了。
如果说老杜子总是老一套，就像说朴赞郁总是老一套，科恩兄弟总是老一套，傻马兰总是老一套一样……我的意思是，这几位都是我比较喜欢的当代导演，他们只之所以牛逼，也在于他们各自坚持着自己的风格，坚持着老一套，而且都在深化这种老一套。
如果杜琪峰变成了朴赞郁，科恩变成了林奇，而傻马兰变成了马丁——我还看他们干嘛？
追求观影的多样化，是要求有各种各样不同风格的导演出现，而不是要求一个导演搞出各种各样的风格，这样搞的话导演就真的死定了，拍的烂片数会直线上升。
再说回老杜子，我觉得他的最大问题是：拍片太多，出片太密集。
如果PTU黑社会放逐是每四年才出一部，就不会产生这么多叽叽歪歪的审美疲劳了。
可是，俺还就是喜欢他拍片多出片密集（当然要保证质量），做一个电影青年不容易啊，你以为一年能看到很多部值得兴奋的电影么，尤其在这个电影艺术江河日下的时代。

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